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上海正在成为“全球艺场”。大大小小、形式各异的艺术展览每天都在这座城市的各个场馆举行。
看展不只是为了“打卡”。当我们看展时，究竟在看什么？
第15届上海双年展现场 （陈俊珺 摄）
直面作品，才有发言权
近年来，在上海举办的展览越来越多，其中不乏高质量、全球性、话题度很高的大展。展览的形式也颇为丰富，有古代艺术大展，也有现当代艺术先锋展，更有国际性大型艺术博览会……引发了“为了一个展奔赴一座城”的现象。
如今的上海不仅拥有全国数量最多的美术馆，也是举办展览最多的城市之一。随着种类多样的当代艺术展与观众见面，网络平台上出现了各种声音：“看不懂当代艺术”“故弄玄虚”“晦涩而不知所云”……这一方面说明，审美是多元化的，但也无可否认，展览和艺术作品的质量是参差不齐的。
笔者认为，当代艺术展要多看，且要多去现场看。无论社交媒体如何发达，各种人工智能技术如何突飞猛进，人类的眼睛依然是最精准的。直面作品才有发言权，看了之后才知道自己到底喜欢与否。
如果看了展览之后有进一步深入了解的兴趣，那么可以查阅更多资料，了解艺术家的创作理念、艺术脉络，甚至美术馆或博物馆的定位、以往选择的艺术家的风格等。由此，对于一场展览的认识就不会停留于表面，对于艺术也有了在场的经验。
正在龙美术馆（西岸馆）举行的“杨伯都：黑鹰，白鹰”
今天的许多展览都如同一个开放的平台，既包含专业的知识体系与专业生产系统，同时也是一个接受观众作为第三方在场的互动与反馈的场域。相比传统艺术，当代艺术更能启发我们对当下生活的思考，打开新的视野、提供新的思考方式。对当代艺术的解读，其实没有唯一的答案。相比“懂”或“不懂”，体验和在场更重要。
在人工智能和社交媒体发达的时代，我们为什么要“在场”，为什么依然需要切身感受艺术？笔者将以最近在上海举行的几场当代艺术展为例，谈谈自己的看展心得。
第15届上海双年展现场 陈俊珺 摄
人类与世界，互相“听见”
正在举行的第十五届上海双年展“花儿听到蜜蜂了吗？”，对上述问题给出了一种独特的回答。策展团队设立这一辽阔而富有诗意的议题，诚挚地向每一位观众发出邀请——将自己想象成蜜蜂，一起在上海当代艺术博物馆汲取艺术养分，体验一次环球旅行。
“花儿听到蜜蜂了吗？”这一童意盎然又充满诗意的主题，背后其实有着科学依据，其灵感来自以色列特拉维夫大学的一项研究：花朵能“听”到蜜蜂振翅的频率，从而在几分钟内分泌出更甜的花蜜。这种跨物种的回应机制，是策展团队的隐喻——艺术，正是人类与世界互相“听见”的方式。
与往届双年展更注重观念表达、抽象逻辑思维以及对惯常知识的挑战不同，今年双年展的主题更多的是鼓励观众打开感官，走进展厅，直面作品，聆听声音，感受在场的体验。
杨伯都《在美术馆 10:19》布面油画 2025
与上海双年展同期开幕的，还有一个专注“无声”与“静默”的当代艺术展，那就是在龙美术馆（西岸馆）举行的“杨伯都：黑鹰，宝尚配资白鹰”个展。这场展览想给观众带来的是内心的观照、沉思的表达。这个展览的魅力是通过观看网上的照片难以体会的，必须到现场才会有真实的收获。
值得一提的是，策展方式是决定展览质量的重要因素。“沉浸”对于观展体验的提升无疑是非常关键的。比如展厅的动线被有意设计成“窄门”，用意象呼应杨伯都作品的母题，在视觉上沉淀出“空”的隐喻。
下沉式展厅内幽深的潭水“深不见底”，呼应艺术家引用的“黑鹰”意象——《指环王》中两只巨鹰即将来临，阿拉贡站在他的王旗下，沉默、严峻，像是陷入了沉思……但他的双眼闪烁如星，夜色越深就越是明亮。
韩国艺术家崔旴嵐的个展“奥德赛”现场
看展不是为了“打卡”
余德耀美术馆最近推出了韩国艺术家崔旴嵐的个展“奥德赛”，以动态场域装置为观众打造了沉浸式体验。展品除了装置，还涵盖雕塑、绘画以及近100幅纸上手稿和设计图纸，让观众一窥其创作思路。
崔旴嵐擅长以机械生命体隐喻人类的欲望，他将这些具有生物形态的机械动力雕塑命名为《Anima-Machines》（生命机械）。他探索着科技与生命之间的模糊边界，思考科技快速发展所引发的文明焦虑以及人类的创造与欲望之间交织的复杂关系。
美术馆的一个展厅被命名为《红》，展厅内充斥着红色霓虹灯光，像极了未来的科幻场景。展厅内有三组精致的机械装置，当有人走近时就开始缓慢动起来。崔旴嵐的作品专注“机械美学”，他用心地创作这些机械作品，呈现的效果非常精美，若不是在现场观看的话，很难感受到这一点。
展览的重磅作品《小方舟》是用废弃纸板箱做的船桨，而且是由精密的编程操作的。展厅中还有一件精美的永动装置，里面飘浮的竟是一只生活中最常见的塑料袋……此种反差暗喻了田园牧歌式的追问，让观者会心一笑。
K11美术馆的秋季联展亦值得一看。英国艺术家克里斯托弗·奥尔的《昨日鲸歌》虽采用了架上油画这一传统的艺术媒介，但观众仍然能感受到国外时新的艺术风格和艺术家对色彩的最新理念表达。艺术的当代性并非囿于某种媒介才能表达。比如，克里斯托弗·奥尔可以通过油画表现出“没有人造光源的光”之色彩，如何理解？只要站到画作面前，就能明白是怎么回事了。
克里斯托弗·奥尔《无题6》2025
走出审美的“舒适区”
看展并非走马观花，更不是为了所谓的“打卡”，而是为了“看”本身——站在艺术作品前，在场、聆听、感受、思考。一定的专业知识和敬畏之心也是必要的。看展览，尤其是看当代艺术展一般是要做功课的，也是要动脑筋的。
当然，也可以把看展视作紧张的工作和生活之余的放松选择，无须给自己限定展览的类型，比如有人喜欢欣赏经典艺术，希望借此得到美的享受。但笔者认为，如果想要有意识地挑战自己、提升审美水平的话，可以多看一些当代艺术展。
当代艺术的开放式解读鼓励每一个观众展开自己的智性探索。经典艺术和文物瑰宝虽然精美动人，但都是前人与岁月给今人的馈赠，答案是现成的或者唯一的。我们不能一直在既有的舒适区里用既有的认知去赏鉴艺术，那是安全区的审美，这种审美力其实是脆弱的。
此外，当代艺术富有启发性，对孩子们的美术教育是很有帮助的，能开发他们的想象力，鼓励自由思考和表达。这不仅仅限于美术领域，对孩子们日后的开放式思考和表达也是有助益的。
最后，想援引第十五届上海双年展总策展人凯蒂·斯科特（Kitty Scott）的一段话作为本文的结尾：“如果我们想要走出‘镜像世界’，就必须珍视对感官的新配置，这是一种更敏锐的感知装置。这需要一种与我们的经验世界展开密切、长期且有意识的互动的审美导向。这一导向或许能帮助我们更好地建立连接，不仅是与我们自己的身体和认知，也是与他人的身体和认知，甚至是与其他非人类智慧的身体和认知。”
（作者单位：上海艺术研究中心）
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